La investigación sobre el dibujo en los artistas españoles, el apoyo a la formación y la colaboración con instituciones extranjeras que guían el trabajo de la Fundación en este ámbito, se reflejan cada año en el calendario de exposiciones.

 
Las exposiciones, prioritariamente de producción propia, son el vehículo para acercar al público el proyecto en Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín por lo que se centran en los siguientes aspectos: 

• ARTE HISTÓRICO, exposiciones basadas en la investigación sobre el dibujo de los grandes maestros españoles desde el siglo XVI a nuestros días. 
• EXPOSICIONES VINCULADAS AL PROGRAMA DE FORMACIÓN, con dos estrategias Becarios y Directores de Talleres de Artes Plásticas. Bajo el título de Itinerarios, al finalizar la beca los artistas muestran los resultados de la misma y el director del taller expone de forma individual sus obras más recientes. 
• ARTE CONTEMPORÁNEO.- Colectivas en Villa Iris en las que se da una visión del arte más actual, relacionado con los jóvenes artistas y sus propuestas. Por ello, y entendiendo que los artistas que han disfrutado de la beca de la institución se encuentran en primera línea dentro del panorama artístico más actual, cada 2 o 3 años se acoge en este espacio una exposición colectiva en la que se propone una puesta al día de su trayectoria.
• HITOS DE LA HISTORIA DEL ARTE.- Desde que en 2003 se inauguró la sala de la calle Marcelino Sanz de Sautuola y coincidiendo con la época estival, se exhiben, gracias a las magníficas relaciones de colaboración establecidas con importantes instituciones y profesionales, las obras de artistas o de periodos artísticos cuya referencia es imprescindible dentro de la historia del arte y que en muchos casos no se han mostrado en la franja norte. Por ejemplo: "Paul Klee. Colección Berggruen",  "Jean Michel Basquiat, Ahuyentando fantasmas" y este verano "Dinastía y Divinidad. Arte Ife en la antigua Nigeria".

Número de visitantes: 1.238
716 escolares dentro del programa Reflejarte

El jurado compuesto por Ignasi Aballí, Lara Almárcegui, Nuria Enguita y Joan Bautista Peiró, seleccionó entre 644 expedientes a los artistas que disfrutaron de la beca de la Fundación en su XV convocatoria: Leonor Antunes, Christian Bagnat, Rafel G. Bianchi, Cabello/Carceller, Mira Bernabeu, Isabel María, Carlos Irijalba, Renata Lucas e Iñaki Garmendia.

Nuria Enguita, como miembro del jurado, fue la autora del texto y como ella explica en el mismo esta exposición “No corresponde a una exposición de tesis, ni a una exposición temática, ni de ejemplaridad geográfica ni generacional”. Sólo les une haber disfrutado de la beca Botín y a pesar de las dificultades que una exposición de estas características entraña la Fundación Marcelino Botín inicia cada año su programación con ellos, de esta forma se despiden de la institución que durante nueve meses se ha unido a sus proyectos.

De los nueve artistas seleccionados, de cinco nacionalidades, siete se desplazaron para llevar a cabo sus proyectos desde sus lugares habituales de trabajo a Barcelona, Berlín, Mali, Nueva York o París. 

• Leonor Antunes (Lisboa, Portugal, 1972). Desde hace unos años Leonor Antunes trabaja investigando la arquitectura moderna e identificando detalles constructivos, formas, patrones y materiales que duplicados adquieren una nueva realidad fuera del sistema arquitectónico y urbano para el que inicialmente fueron creados. 
• Christian Bagnat. (Cipolletti, Rio Negro, Argentina, 1971). Presentó la película de animación en dos dimensiones, Los empleados de Kaufmann. La acción esta ubicada en la Casa Kaufmann, mas conocida como Casa de la Cascada o Fallingwater House, construida por el arquitecto Frank Lloyd Wright en 1936. La trama de la película podría describirse simplificadamente como una historia de suplantación de identidades en la que unos empleados usurpan el lugar del matrimonio Kaufmann con motivo de una fiesta en su casa.
• Rafel G. Bianchi. (Olot, Gerona, 1967). Bianchi está realizando actualmente un retrato de cada uno de los catorce picos mas altos del planeta, de los que ha realizado cinco hasta el momento de esta publicación. En esta serie de retratos de montaña se cuestiona la propia representación del paisaje de la montaña en el medio fotográfico y pictórico.
• Cabello/Carceller. Helena Cabello y Ana Carceller (París, 1963 / Madrid, 1964). Archivo: Drag Modelos pretende rastrear las huellas de la influencia cinematográfica en la construcción de la masculinidad en Europa (y otros países del extrarradio como Turquía).  En este caso son las propias mujeres las que deciden cual es el personaje o el actor con el que quieren identificarse y a partir de ahí eligen la pose masculina que quieren escenificar.
• Mira Bernabeu. (Aspe, Alicante, 1969). La Genealogía de la conciencia III, se desarrolla en un espacio público, el cauce del Turia en Valencia, un espacio central en la ciudad, zona verde pero urbanizada y lugar de socialización festiva ciudadana. Las personas asistentes son convocadas para el espectáculo y todas están enmascarados, lo que permite al artista incidir en las relaciones entre individuos frente a las posiciones individuales.
• Isabel María. (Mérida, Badajoz, 1972). Horario de tienda, es un vídeo-ensayo o documental de creación en el que se retrata la cotidianidad de siete tiendas antiguas, situadas todas en el centro histórico de Madrid. Utilizando la cámara como testigo de lo cotidiano, la artista penetra en la intimidad de una serie de espacios “públicos”, de una manera directa, sin filtro, sin a priori ni juicios de valor. Documento de gran interés desde un nivel antropológico y sociológico. 
• Carlos Irijalba. (Pamplona, 1979). En el proyecto Twilight (Crepúsculo) propone una crítica del espectáculo y los diversos simulacros de lo real e intenta incidir en los mecanismos de seducción con los que estos se manifiestan. La arquitectura del Campo de Futbol del Sardinero, entendido como dispositivo mediático por y para el espectáculo ha sido decodificada permitiendo otra mirada sobre su interior.  Además poniendo una torre de iluminación en las entrañas del bosque de Irati, una de las últimas selvas que quedan al sur de Europa, propone una intervención “visitable” a escala real y una serie de fotografía y video. 
• Renata Lucas. (Ribeirão Preto, Brasil 1971). Solicitó la beca Botín para una estancia en Gasworks, una residencia de artistas y sala de exposiciones en Londres que toma su nombre de una central de gas contigua, su proyecto transforma el espacio, lo relaciona con el entorno, y tal como ella misma explica en su memoria ”El trabajo en cierta forma “borraba” los contornos del edificio, al hacer de su fachada un elemento continuo e indistinto. Ligeramente ondulado por el calor el muro daba cierta domesticidad a la superficie, volviéndola una membrana sensible, en la cual elementos del interior paradójicamente aparecían en el exterior” 
• Iñaki Garmendia. (Ordizia, Guipúzcoa, 1972). En sus últimos trabajos Garmendia lleva al limite ciertos elementos que siempre han estado presentes en su trabajo, como la disolución de toda narrativa lineal o la injerencia de un tema que reúna el discurso y el carácter estructural y conformador de la música. A la vez se intensifican otros aspectos que tienen que ver con los códigos y procesos de identificación del individuo dentro y fuera del grupo y con la comunicación de lo subjetivo; tanto en el modo de tratamiento de la imagen como en las situaciones que genera o graba con su cámara y que se refieren casi siempre a concentraciones de personas o a individuos que han de realizar una acción definida por el artista. 

Comisaria Zahira Veliz

Nº visitantes: 2.357 y 150 en visitas de grupo

Visitas comentadas: Se han programado 4 sesiones, impartidas por el Profesor D. Francisco Gutiérrez los días 8 y 26 de abril y los días 15 de abril y 6 de mayo por Amaia Barredo (Dpto. Artes Plásticas Fundación Marcelino Botín).

La exposición Alonso Cano (1601-1887). Dibujos constituye una magnífica oportunidad de reunir en Santander dibujos del genial artista dispersos y custodiados en importantes colecciones privadas e institucionales. Además nos anuncia la próxima publicación del Catálogo Razonado de Dibujos del artista, resultado de un intenso trabajo de investigación llevado a cabo por Zahira Veliz.

Alonso Cano (1601-1667). Dibujos nos permite acercarnos a través de sus dibujos a uno de los artistas más completos del Siglo de Oro español: pintor, dibujante, grabador, retablista, diseñador, arquitecto, escultor.... Cultivó las artes en sus más variadas manifestaciones y se constituyó en figura central del siglo XVII. 

El dibujo fue fundamental como parte de su proceso creativo en las distintas facetas por él cultivadas (pintor, arquitecto o escultor). Ya sus coetáneos destacan su gran habilidad, su extraordinaria inventiva y su exquisita técnica, a lo que se añade la cualidad de saber dibujar cualquier cosa, desde un motivo arquitectónico a una figura. 

Esta muestra y posterior publicación, reflejo del proyecto que la Fundación Marcelino Botín está desarrollando tendente a la Investigación y Catalogación del Corpus de Dibujo de los grandes maestros españoles del XVI a nuestros días, completa los anteriores tomos, Eduardo Rosales (1836-1873) y Antonio del Castillo (1616-1668), cuya presencia en bibliotecas especializadas y entre profesionales se ha convertido en un instrumento imprescindible de consulta.

Este ambicioso proyecto sólo es posible gracias a la inestimable colaboración de especialistas, investigadores así como de coleccionistas, e instituciones museísticas que conservan dibujos de los artistas. Se han reunido 45 dibujos, seleccionados entre los 114 que la investigadora considera de la mano del artista, una amplia selección que ha sido posible gracias a la colaboración de coleccionistas, e instituciones museísticas que conservan dibujos de los artistas, entre otros: Museo Nacional del Prado, Academia de Bellas Artes de San Fernando, Biblioteca Nacional de Madrid, Instituto Valencia de Don Juan, Cleveland Museum of Art, Morgan Library and Museum, Galeria degli Uffizi, Courtauld Institute of Art, Hamburger Kunsthalle, así como coleccionistas privados de Europa (Juan Abelló, Gabriel Terrades en París) y Estados Unidos (Colección Apelles, Jonathan Brown).

Comisaria Enid Schildkrout, conservadora del MAA de Nueva York.
Co-organizada con el Museum for African Art de Nueva York, con la colaboración de la Comisión Nacional de Monumentos y Museos de Nigeria.
Nº visitantes: 16.128, 144 visitas de grupo.

Actividades complementarias: 

• ERASE UNA VEZ… ¡IFE!: Actividad didáctica con formato de visita- taller. Destinada a niños entre 8 y 12 años. Máximo 15 participantes, por rigurosos orden de reserva. Actividad gratuita. 
  JULIO: Jueves 2, 9, 16, 23 y 30
  AGOSTO: Jueves 6, 13 y 20 
  Horario de 12 a 14 horas. Sala Exposiciones.
  De nuevo, como cada verano, se han realizado 8 sesiones, todos los jueves de Julio y Agosto de 12:00 a 14: horas. En ellas los participantes visitaron primeramente la exposición, observando y comentando las obras, para después en el taller, plasmar y expresar su particular visión del universo Ife con diferentes materiales y técnicas. Finalmente, la puesta en común de lo vivido durante la actividad, involucró a sus familias y acompañantes. 
  Total participantes: 89
• Visitas de grupo: Previa petición de hora en el Tel. +34.942.22.60.72
  Se han organizado visitas de grupo a todos aquellos que lo han solicitado, además se han programado visitas comentadas los día 4 y 11 de Agosto a las 13:00 horas.Primera exposición exhaustiva que presenta los logros artísticos de esta civilización, que tuvo su apogeo entre los siglos XII al XV en Nigeria. Los artistas de Ife, la antigua ciudad-Estado y tierra natal de los yoruba, crearon una obra escultórica única, que se cuenta entre las estéticamente más asombrosas y técnicamente sofisticadas de África.

Esta exposición es un proyecto generado desde la Fundación Marcelino Botín que inició en 2005 los primeros contactos con la Comisión Nacional para Museos y Monumentos de Nigeria (CNMM), con la finalidad de obtener el permiso necesario para que las piezas pudiesen ser mostradas fuera del país. La componen 109 de las piezas de Ife más valiosas y bellas realizadas en materiales como bronce, terracota, piedra y cristal. La mayor parte de las piezas no han sido anteriormente expuestas.

Pocas civilizaciones en el África subsahariana son más famosas por su arte y su cultura que Ife, la antigua tierra natal y ciudad del pueblo yoruba en Nigeria. Se sitúa en el SO de Nigeria, cerca de ciudades Yoruba antiguas (Oyo y Owo). Ife será la capital de la región entre los siglo XII y XV, pasando, a partir del siglo XV, la capitalidad a Benín. En la actualidad, la ciudad de Ife es todavía el corazón espiritual de los yoruba, un grupo de 35 millones de personas que viven en Nigeria y alrededor del mundo. 

Técnica y visualmente, las obras de arte de la antigua Ife se cuentan entre las más notables del mundo. La muestra permite conocer uno de los complejos artísticos más importantes del mundo y se puede apreciar no sólo la sofisticación, sino también la audacia tecnológica de estos artistas y las notables cualidades estéticas que desarrollaron, para expresar preocupaciones culturales contrapuestas. Ofrece una visión de la brillantez y complejidad de la civilización de Ife que permite comprender la profunda importancia del arte como testimonio histórico.

La muestra incluye cabezas de tamaño natural y figuras humanas en terracota y bronce, algunos vaciados de cobre casi puro (una hazaña que los griegos, italianos y chinos nunca consiguieron llevar a cabo), así como exquisitas miniaturas, deliciosas representaciones de animales domésticos y salvajes en terracota y piedra, un ejemplar de los monumentales menhires de granito, expresivas caricaturas de ancianos, representaciones de enfermedades atroces, monstruosas figuras imaginarias y vívidas figuras de animales. Destaca el grupo de impresionantes cabezas de tamaño natural en cobre y diversas aleaciones y la máscara de cobre de Obalufon. 

Comisario: Marc Shepsq
Lugar: Sala de exposiciones de Marcelino Sanz de Sautuola, Santander
Fechas: del 31 de octubre al 10 de enero de 2010
Horario: de 12 a 14 y de 18,30 a 21,30 horas
Cerrado: Tardes. 24, 31 diciembre y 5 enero. Todo el día 25 diciembre y 1 enero.

La obra de Kounellis (El Pireo, Grecia, 1956), situada entre las más importantes del arte contemporáneo desde los años sesenta del siglo XX, ofrece abundantes significados y una dimensión espiritual que trasciende su presencia material.

A mediados de los años sesenta Kounellis abandona el lienzo para entrar en el espacio de lo real y con un inventario muy personal de elementos crea un vocabulario visual de objetos y materiales que, muy pronto, se convertirán en los componentes de su lenguaje artístico.

En las 18 obras presentes en la Fundación la plancha de hierro, el plomo, el vidrio y los abrigos son los cuatro únicos elementos utilizados, una elección voluntariamente limitada que nos permite apreciar una gran riqueza de materiales, formas y composiciones.

Sus obras poseen una gran madurez, reflejan las preocupaciones más íntimas de cada hombre y proponen una reflexión sobre el sentido de la existencia. No obstante, estas obras también muestran el apego profundo y casi visceral de Kounellis por toda la belleza que descubre en los materiales más humildes que trasciende con su arte para hacer de ellos mensajeros de una visión que abarca al hombre y al universo visible e invisible, siendo éste su morada.

La belleza de su obra se apoya en una exigencia sin compromiso, una visión que ha marcado profundamente el arte de nuestro tiempo.

LECTURAS TRANSVERSALES DE LA COLECCIÓN FUNDACIÓN MARCELINO BOTÍN. Cultura, pobreza y megápolis: el arte contemporáneo y la lucha por la supervivencia

Comisario: Kevin Power
Del 9 de enero al 14 de junio de 2009. Abierto sábados, domingos y festivos
Del 6 al 12 de abril de 2009. Abierto todos los días

El interés por la formación, siempre presente en las estrategias de la Fundación Marcelino Botín, provocó que a principios de los noventa se ampliasen los objetivos en el área de Artes Plásticas con dos nuevas iniciativas las Becas y los Talleres de Artes Plásticas. Las becas, a punto de sacar a la luz la decimoctava convocatoria, y los talleres en Villa Iris han acercado a Santander a más de un centenar de artistas que están unidos al proyecto de la fundación. Todos ellos han hecho visible su trabajo a través de la exposición Itinerarios, pero además, a través de sus obras, de la obra que les representa en la Colección de la Fundación Marcelino Botín, son un instrumento para contar la historia de esta institución, el trabajo desarrollado en el área de artes plásticas desde 1993 a nuestros días.

La colección de arte Fundación Marcelino Botín acoge la obra de los directores de los talleres, artistas con trayectoria consolidada, amplia experiencia y generosa vocación didáctica; y las obras de los artistas que han disfrutado la beca de Artes Plásticas, con sus distintos itinerarios de búsqueda e investigaciones. Los artistas y las obras que los representan, en su diferencia generacional y de posiciones, suponen en conjunto un testimonio del arte de nuestros días. Todos ellos conforman un plural mosaico de conceptos, de trayectorias, de trabajo, de esfuerzo e ilusiones y de técnicas, que constituye un fidedigno panorama del arte actual.

El proceso que ha dado origen a esta colección hace que en ella estén presentes propuestas muy diferentes que permiten distintas lecturas. Consciente de ello la Fundación invitó a Kevin Power a que nos ofreciese la suya. En este caso, a través de una lectura transversal de la Colección de Arte de la Fundación Marcelino Botín, realiza una profunda e interesante reflexión entorno a Cultura, pobreza y megápolis.

Trece artistas, Lara Almarcegui, Atsuko Arai, Javier Arce, Carlos H. Blanco, Patricia Dauder, Fernanda Fragateiro, Sandra Gamarra, Rogelio López Cuenca, Tomas Ochoa, Ester Partegas, Miguel Angel Rebollo, Montserrat Soto, Patricia Sousa y Juan Uslé a través de sus obras, nos proponen cuestionarnos la manera en que pertenecemos a un contexto urbano y la necesidad de prestar atención a su complejidad, para en un clima de dialogo, buscar soluciones ante el caos dramático y a menudo violento que nos rodea.

En Villa Iris, a través de una pequeña selección de las obras que componen la colección de la Fundación Marcelino Botín, se invitó al espectador a reflexionar sobre la situación del mundo actual, el arte es un buen vehículo para ello.

GEOGRAFÍA INTIMAS. Tarek Zaki, Viyé Diba, Samuel Fosso, Nabil Boutros, Robin Rhode y William Kentridge.
Visitas grupo: Se han programado para los días 12 y 18 de Agosto a las 12:00 horas y los días 10 y 24 a las 20:00 horas.

La Fundación Marcelino Botín en su programa de verano de 2009 ha querido acercar al público el arte y la cultura del continente africano desde la época antigua a la actualidad. Dinastía y Divinidad. Arte Ife en la antigua Nigeria nos ha permitido descubrir piezas procedentes de los siglos XII al XV (cobres, terracotas, abalorios…) un impresionante legado artístico procedente del pueblo de Ife que por primera vez se ve fuera de Nigeria. 

Geografías íntimas, concebida expresamente para Villa Iris, en el Sardinero, espacio que la Fundación destina a la formación y a las propuestas de artistas jóvenes, nos ofrece el encuentro con la visión más contemporánea, con los artistas que provenientes de África viven y crean, tanto dentro como fuera de ella. Nos descubre sus particulares visiones, a través de instalaciones, esculturas, pinturas, fotografía, vídeo….  A su identidad particular se van uniendo las distintas experiencias, las posibles diferencias se ven enriquecidas con elementos comunes, con información que fluye en este espacio cultural global que caracteriza nuestra vida actual. Sus trabajos ofrecen una lectura tan variada como complementaria. 

• Viyé Diba (Karantaba, Senegal, 1954). Nous sommes nombreux et nos problèmes avec (Somos muchos y nuestros problemas también) es el título de su instalación en la que fascinado por la densidad de las superficies urbanas y por la nueva creatividad popular, desplegada por los comerciantes que se desbordan de las tiendas e invaden aceras y calles como en la propia Dakar —ciudad en la que reside—, la lógica del consumo a ultranza lo impulsa a observar y analizar esa técnica de acumulación y de exceso sutilmente coreografiados. 
• Tarek Zaki (Riad, Arabia Saudi,1975), reside en Egipto. La arqueología y la museografía ocupan un importante lugar en su obra. Sus esculturas reflejan y cuestionan a un tiempo el mundo en que vivimos y las huellas que un día quedarán de nuestro paso por la historia. Como reliquias bélicas, tecnológicas o arquitectónicas, los objetos que plasma el artista reproducen, gracias al sabio juego de los materiales, la pátina del tiempo, aun a riesgo de hacer con ello, irónicamente, falsificaciones para la arqueología del mañana.
• Robin Rhode (Ciudad del Cabo, Sudáfrica, 1976). Desde 2002, vive y trabaja en Berlín. Su medio favorito es el dibujo a tiza blanca, y su lienzo la calle, las aceras, las paredes. Su punto de partida se encuentra en el período posterior al apartheid: de ahí su necesidad física de reapropiarse de un espacio que hasta entonces se le negaba. Bosqueja con rapidez objetos dinámicos que sugieren movimiento, estos dibujos interactivos están en la base de unas series fotográficas, especie de guiones gráficos que, imagen tras imagen, pueden también convertirse en animaciones digitales. 
• Nabil Boutros  (El Cairo, Egipto, 1954). Pintor, escenógrafo y fotógrafo desde 1986. En la serie Portraits latents (Retratos latentes), se produce un encuentro con los escritores del África Occidental a los que retrata y en ella el «humor negro» de sus obras resulta indisociable de la mirada cómplice del fotógrafo. Su vivencia se vuelve también la nuestra.
• Samuel Fosso (Kunmba, Camerún, 1962). En la serie African Spirits nos reencontramos con el artista en 2009, representando a los personajes que más lo inspiran para rendirles así un homenaje simbólico. Fruto de un minucioso trabajo de investigación y de estudio, los retratos —prácticamente de tamaño natural— son de realización impecable, y sus posturas están hábilmente estudiadas. 
• William Kentridge vive y trabaja en Johannesburgo, donde nació en 1955. En 1975 empieza su carrera teatral como actor, director y escenógrafo. Hacia 1985 se dedica con mayor asiduidad al dibujo, que se convertirá desde entonces en punto de partida de su obra y desembocará en la película de animación, donde la imagen abandona la superficie plana para tomar forma en el tiempo y movimiento tras pasar por numerosas fases y transformaciones. Desde sus primeras obras, Kentridge desarrolla —al tiempo que la inventa— su propia técnica.